december 2007

Voor het eerst gepubliceerd in Art South Africa Volume 6: Issue 02

Anthea Moys; Simon Gush


SPEEL MET MIJ
VOOR ANTHEA MOYS HET MAKEN VAN KUNST IS EEN MIDDEL OM ALLE BEROEPSDIEREN TE LEGGEN, TE DEMONSTREREN EN TE HERINNEREN WAT HET EENVOUDIG SPEELT, SCHRIJFT TEGAN BRISTOW.

Anthea Moys, 94.7 Cycle Challenge, 2007, nog steeds van de uitvoering in Johannesburg.

Eerder dit jaar, op een doordeweekse avond in augustus, werd de Bag Factory gehost Reactie, een avond vol performance art onder leiding van Johan Thom. Toen ik de tassenfabriek binnenkwam, zag ik Anthea Moys een absurd geklede groep vrijwilligers leiden die aerobics deden - ze had een even absurde grijns op haar gezicht. Hoewel ik niet het participatieve type ben, wilde ik meedoen en lachen om het meisje dat haar kont de verkeerde kant op schudde.
Moys eist weinig van haar publiek, maar door middel van haar performance en videowerk grijpt ze je bij de arm en herinnert ze je aan middagen spelen met andere kinderen, aan het vieren van wat je omgeving je te bieden heeft, aan een tijd waarin je in een plas gleed en dacht dat het de grootste grap ter wereld was. Toch is het met enig gewicht dat Moys, die momenteel haar MFA aan de Wits University voltooit, de ernst van haar bedoelingen verklaart.
Begin 2006 bezocht ze Sierre, Zwitserland, om deel te nemen aan een Master of Arts in Public Space (MAPS) -programma. Het was in Zwitserland waar voor Moys de begrippen spel en openbare ruimte samenkomen. Het begon met The Accident Series, een videosequentie waarin ze letterlijk ongelukken heeft. Het was niet haar bedoeling om ongelukken te veroorzaken; Moys struikelde er aanvankelijk gewoon in. Het begon op een zonnige dag op een verkennende wandeling toen ze over een hek in een prachtig besneeuwd veld sprong en haar nek diep in de sneeuw liet zakken. Ze redde zichzelf door uit de sneeuw te zwemmen.
'Deze ervaring betekent voor mij wat spelen echt betekent', zegt Moys. “De situatie was zowel potentieel speels als gevaarlijk, en het is in de spanning tussen deze twee dat mijn ideeën over spelen bestaan.
Toen Moys eenmaal uit was gezwommen, zette ze haar statief neer (dat met haar was uitzwommen) en zag ze hoe ze in de sneeuw zwom.
Met zijn heldere contrast in kleur en activiteit, The Accident Series doet denken aan het videowerk van de Zwitserse kunstenaar Pippilotti Rist. In één segment, uitglijden, Moys glijdt keer op keer over ijs totdat ze valt en haar hoofd stoot; in Schuif- ze glijdt letterlijk van een glibberige helling af tot ze haar vinger op het ijs snijdt. Deze angstige maar grappige werken tonen de fascinatie van Moys voor spelen: ze speelt niet alleen met de grenzen van de omgeving, ze duwt ook op haar eigen capaciteiten, duwt tot iets als een bloedende vinger tussenbeide komt en het spel voorbij is.
'Spelen is iets van voorbijgaande aard dat steunt op bestaande structuren', zegt Moys, terwijl ze haar idee van spelen uitpakt. "In het spel ondermijnen we de echte intenties en functies van structuren in onze directe omgeving." Bij haar terugkeer naar Johannesburg vorig jaar, nam Moys deel aan de 94.7 Cycle Challenge: gekleed in volledige fietsuitrusting plaatste ze haar hometrainer op een druk stuk weg en fietste verder - alleen ging ze nergens heen. 'De act was enigszins anekdotisch, nu zie je het, nu niet meer. Het was mijn betrokkenheid bij het huidige moment, terwijl iedereen bezig was met het overweldigende doel van winnen. '
De essentiële interventies van Moys, die zich dit jaar bij een aantal gelegenheden en locaties in de stad hebben gemanifesteerd, zijn ontworpen om de perspectieven van mensen op alledaagse gebeurtenissen te veranderen en nieuwe mogelijkheden te bieden aan al te functionele omgevingen. Meest recentelijk, eind september, organiseerde ze het openbare spektakel, Laat de stad spelen. "We profiteren van het 'veilige' gebied dat door Arts Alive Lockdown in Newtown Johannesburg is aangelegd," verklaarde Moys. Ze organiseerde een Nonsensical Obstacle Course, een wedstrijd die bestond uit zeven wedstrijden op en rond Mary Fitzgerald Square. Voor velen was het een uitnodiging om een ​​ruimte te verkennen waar ze eerder alleen doorheen waren gereden, voor anderen zorgde het voor een moment van speelse interactie tussen vreemden op straat. Het meest gedenkwaardig voor mij was het kijken naar spelers die de regels met voldoening volgden en voorbijgangers probeerden te overtuigen deel te nemen aan een driebenige race. Stel je een onkruidige computergeek voor die de vrouwelijke verkoper die pap verkoopt, overtuigt om de weg op te gaan; of een team van bewakers zien die hun diensten aanbieden door geblinddoekte spelers te bewaken en te begeleiden terwijl ze door een mijnenveld met marktkramen navigeren. Met de meest serieuze bedoelingen had Moys een hele straat aan het lachen.
Tegan Bristow is een in Johannesburg gevestigde kunstenaar en docent in interactieve digitale media aan de Wits School of Arts.
Over Anthea Moys: Sinds de voltooiing van haar BFA in 2004 heeft Moys uit Johannesburg deelgenomen aan tal van groepstentoonstellingen, waaronder Trasi Hennen's samengestelde show van videokunst, Kunst in het donker (2005) Kazoo - het is een levend kunstding bij The Premises Gallery (2006), en Gewapende reactie 2 aan het Goethe Institut (2007), dat ze co-curator was. Een deelnemer op Kin: Be: Jozi, een uitwisselingsproject tussen kunstenaars uit Bern, Kinshasa en Johannesburg, presenteerde Moys onlangs Onderbreking, haar debuut solo-expositie ter vervulling van haar MFA, in Intermission Gallery, 195 Jeppe Street, Johannesburg. Moys 'videostuk, Sneeuwzwemmen, is geselecteerd voor Spier Contemporary. Bekijken BoksprojectVindt u op http://kinbejozi.blogspot.com/ or www.antheamoys.com .

ONGEËVENAARDE GROND
TIJDENS EEN RECENT BEZOEK AAN CHILI, PRATTE SIMON GUSH MET PHILIPPE VAN CAUTEREN EN THOMAS CARON, VAN HET SMAKSE MUSEUM VAN BELGIË IN GENT, OVER LATITUDES, NEEMT POSITIES IN EN VERNIETIGT DE CONSUMPTIE VAN DE KUNST.

Simon Gush en Dorothee Kreutzfeldt, 3 Point Turn, 2007, gerealiseerd door Sam Matentji Point Blank Gallery / Twist Street, Drill Hall, Johannesburg.

Philippe Van Cauteren: Santiago ligt op dezelfde breedtegraad als Zuid-Afrika. Ik noem dit omdat je in je werk contexten, omgevingen of situaties onderzoekt. Hoe ervaar je Santiago?
Simon Gush: Ik vind het moeilijk om algemene uitspraken te doen over Santiago. Ik ben terughoudend om na zo'n korte tijd commentaar te geven.
PVC: Uw site-specifieke actie in Kolkatta, India, Verhuizen (2006), dat ook in korte tijd is geproduceerd, kan worden gelezen als commentaar op die context. U koos specifiek de Chaudhuri Bari als locatie en huurde zeven fietsriksja's om te proberen het gebouw naar voren te trekken.
SG: Ik was geïnteresseerd in het onderzoeken van de kwestie van werken in een buitenlandse context. Ik denk dat wanneer een kunstenaar dit doet er een transactie plaatsvindt waarbij hij / zij vaak meer neemt dan hij / zij geeft. De ervaring van het rijden in de riksja's in India was in dit verband interessant voor mij omdat de chauffeurs hun eigen macht hebben, in de zin dat ze vakbondsgebonden zijn en dus keuzevrijheid hebben. Maar zelfs als men zich hiervan bewust is, betaalt men nog steeds om door een ander mens meegesleurd te worden. Ik vond het erg ongemakkelijk. Ik wilde dit soort gevoelens op de een of andere manier blootleggen. Het werk, Verhuizen, gaat evenzeer over het huren van de riksja's als over het feit dat ze daadwerkelijk proberen het huis naar voren te trekken.
PVC: Kunstenaars uit Chili zijn vaak verbonden met de geschiedenis van de dictatuur van Pinochet of de genealogie van de Chileense hedendaagse kunst. Welke invloed heeft de politieke geschiedenis van uw land als jonge kunstenaar met een bijzondere relatie tot apartheid op u om uzelf als kunstenaar in andere contexten te positioneren?
SG: Sinds ik naar Europa ben verhuisd, ben ik me meer bewust van de mate waarin opgroeien in Zuid-Afrika heeft bepaald hoe ik de wereld benader. Dit gezegd hebbende, wil ik niet exclusief worden gezien als een Zuid-Afrikaanse kunstenaar. Ik denk dat dit label te veel invloed heeft op de manier waarop een niet-Zuid-Afrikaans publiek het werk leest. Ik probeer dit te vermijden omdat de kijker de neiging heeft te vertrouwen op vooropgezette ideeën bij interactie met een stuk.
Thomas Caron: Maar kun je afstand nemen van het Zuid-Afrikaans zijn als het onderwerp van je werk betrokken is bij het opgroeien in deze context? Bijvoorbeeld uw interesses in machtsrelaties?
SG: Ik denk dat het belangrijk is dat Zuid-Afrikanen hun discussies in een meer mondiale context gaan plaatsen en deelnemen aan bredere discussies. De dingen waar ik in geïnteresseerd ben, bestaan ​​niet alleen in Zuid-Afrika.
TC: Is het mogelijk om deze kwesties naar een wereldwijd niveau te transporteren als ze altijd erg contextspecifiek zijn?
SG: Ik heb niet het gevoel dat wanneer ik in België, Chili of India werk, mijn problemen specifiek zijn voor Zuid-Afrika. Mijn doel is om generalisaties te vermijden door te onderzoeken hoe bepaalde details in verschillende situaties kunnen bijdragen aan een groter debat.
PVC: In een van onze eerdere discussies was je de enige deelnemer die zei dat een kunstenaar een standpunt moest innemen. Hoe positioneer je jezelf als kunstenaar en hoe zie je de positie van de kunstenaar in het algemeen?
SG: Ik probeer niet een statische of overheersende positie in te nemen, maar ik denk wel dat artiesten enige verantwoordelijkheid moeten nemen voor het systeem waarin ze hebben gekozen om te werken. Als kunstenaar heb je keuzevrijheid en een stem, samen met toegang tot een publiek. In relatie tot de markt heb ik bijvoorbeeld niet het gevoel dat ik er buiten sta. Kunstwerken die openlijk kritisch zijn over de markt worden er vaak snel in opgenomen, bijvoorbeeld het werk van Santiago Sierra. Ik denk dat de kunstmarkt een weerspiegeling is van het wereldwijde kapitalisme. De kracht van laatstgenoemde wordt weerspiegeld in de kracht van de markt. Ik voel dat ik de verantwoordelijkheid heb om erin te handelen om te proberen de consumptie van de kunst die ik produceer te vertragen. Ik zou het leuk vinden als er een manier was om iets in het werk achter te houden, zodat er een onderdeel is dat niet kan worden gekocht en verkocht.
TC: Maar hoe werkt uw actie 21 Gun Salute for the Death of A Collector (2007) de markt weerstaan? U verkoopt iets, in dit geval een saluut met 21 pistolen dat alleen kan plaatsvinden als de verzamelaar is overleden.
SG: Het werk maakt deel uit van de markt en is dienovereenkomstig ontworpen. Er is een letterlijke inhouding van het werk in die zin dat de verzamelaar het werk pas kan krijgen nadat hij / zij is overleden. Maar wat nog belangrijker is, het stelt een andere relatie met de verzamelaar voor. Het certificaat dat onze beide gegevens bevat, verbindt ons. Daarom moet ik de verantwoordelijkheid nemen voor mijn omgang met de verzamelaar en moet hij / zij een andere verantwoordelijkheid nemen voor het werk. De verzamelaar is wettelijk verplicht het werk pas na afloop van de voorstelling te verkopen. Het kan daarom geen investering zijn voor persoonlijk gewin van de verzamelaar tijdens zijn leven.
PVC: In zekere zin denk ik dat veel kunstenaars zich verschuilen achter hun werk. Ik heb de indruk dat je niet achter je werk schuilt, maar ernaast staat. Het is een heel andere benadering van de dingen die je als kunstenaar maakt.
SG: Ik probeer mezelf altijd te betrekken bij mijn praktijk en op een bepaald niveau ook bij het publiek. In mijn stuk met Dorothee Kreutzfeldt bijvoorbeeld, 3-punts draai (2007), ik probeer het publiek de verantwoordelijkheid te laten nemen voor deelname aan het stuk, ook al is het hun rol om toeschouwer te spelen voor Sam Matentji, een voormalige minibus-taxichauffeur, die een driepuntsbocht maakt en een drukke eenrichtingsrit oprijdt weg. De actie werd zowel vanaf het balkon van de Point Blank Gallery als de mensen op straat die dag bekeken. Het was niet prettig om naar te kijken.
Ik denk dat deze ideeën niet los staan ​​van het concept van Philippe, dat in eerste instantie misschien naïef lijkt, om te proberen een manifest te maken in de 21e eeuw. Het hele proces vereist ingewikkelde vragen over ons vermogen om met de politiek om te gaan. Het probeert een positieve actie te ondernemen, ook al gaat men ervan uit dat er misschien geen concrete resultaten uit voortkomen. Het ging over proces.
Philippe Van Cauteren is artistiek directeur van SMAK, het Stedelijk Museum voor Hedendaagse Kunst in Gent, België; Thomas Caron is curator bij SMAK.
Over Simon Gush: Geboren in Pietermaritzburg (1981), voltooide Gush zijn BFA bij Wits (2003). Momenteel kandidaat-laureaat bij het Hoger Instituut van Schone Kunsten (HISK) in Gent, België, hield hij onlangs zijn eerste commerciële tentoonstelling, Gezondheid, bij Michael Stevenson Gallery. Oprichter en curator van de Parking Gallery, een tijdelijke projectruimte aan Pritchard Street, Johannesburg, hij heeft deelgenomen aan tal van groepstentoonstellingen, waaronder Niet op zijn plaats, open archief # 1, bij Argos in Brussel, en Voorbeschouwing, in de Point Blank Gallery, Johannesburg (2005).
Dit is een bewerkte versie van een discussie die op 30 oktober 2007 in Santiago, Chili, werd gehouden tijdens de voorbereiding van de tentoonstelling El Manifiesto de Santiago / Das Santiago-Manifest, geïnitieerd door Philippe Van Cauteren in het culturele centrum Matucana 100. Het project probeerde een manifest te schrijven als belangrijkste focus en omvatte Gush als deelnemer. Voor meer informatie: www.m100.cl.